バスレフ研究所 Personal Audio Laboratory

結局受け手にある

最近は、オーディオ装置に火を灯す（古い表現）ことはめったに無くなってしまいました。
聞きたくない訳ではなく、落ち着いて聞く気にならないといったところです。
年金生活になってオーディオ三昧なんていう夢は、今は昔のことです。
多分死ぬまで働き続けるんだろうなと思うと、何となく、じっくりとオーディオ装置から流れる音楽に耳を傾ける気がしません。
頭の中をいろいろな曲が流れていくのでそれはそれでいいのだろうと思います。

最近思うようになったのは、名曲の押し付けという教育の問題です。
世の中何でもそうですが、ユーザーの無知をいいことに価値を押付けられることが多いと思います。
小学校の音楽の時間でも、これは名曲だ、と云われて聞かされるのですが、だからといって、それに心を動かされるとは限らない。
それが名曲と云われるという知識を身に付けることには反対しませんが、個々の問題といえば、名曲と感じるかどうか聞き手が決めることに他なりません。
自分はというと、音楽の教科書に出てくる名曲よりも、全然相手にされない曲に好きなものが多いです。

きっかけは、何となく聞き始める、とか。
以前には、カセットテープにちょうどよく収まる長さの曲だった、なんていうものもあります。
自分の好きなのは、カセットテープの長さにちょうどはまるものが多かったように思います。
最初に聞き始めたオペラは、グリンカの『イワン・スサーニン』。ソビエト時代に聞き始めたのでいまでは、タイトルもお話も変わっているみたいです。
これが、幕ごとにカセットテープにちょうどいい余裕で入るくらいの長さでした。
その次は、ウェーバーの『魔弾の射手』。これは、90分テープ3面に収まるちょうどよい長さでした。
交響曲では、ショスタコービッチの交響曲第８番というのがあります。
極薄の１２０分テープにちょうど収まる長さでした。
こういう曲を聞き続けると、最初は妙な感じがしていても、だんだんハマってきたりします。
最終的に聞き手である自分が受容する曲が、自分にとっての名曲になります。
学校で押付けられてもそれで好きになるわけではありません。
もちろん、さんざん違うものを聞いた後に、改めて聞いて価値を感じるということは多いでしょうが、それは、決して押付け教育の成果ではありません。

いまは、カセットテープを使わないので、CDに入る長さの曲なら聞きやすくなりショスタコービッチも全曲聞くようになりました。
それでも８番がいちばん好きなのですが、全曲の中の専門家推奨の名曲ではありません。
それでも、価値を決めるのは聞いている自分自身なんだと思います。
願わくは、不人気の曲でもその気になれば聞けるような著作権環境を残して欲しいと思います。

オーケストラ演奏付って

1回だけしか購入したことはないのですが、ある音楽興行の会社から、オペラとかバレエとかの外国からの公演の案内がやってきます。
今回、ちょっと驚くべきチラシがありました。
年末のバレエの公演で、会場が国際フォーラムというのがありました。
そんな会場に誰が行くの？
会場が広すぎてPAで聞かせるクラシック音楽なんてごめんです。

更に驚いたのは、同じくバレエの公演です。
何も書いていないのと、『オーケストラ演奏付』というのと2種類がありました。
これって、バレエのカラオケですか？
ちょっと馬鹿にしてない？

もちろん買いませんけどね。

やっぱり興行会社って、なんか怪しい．．．

思い出させるもの

私の好きな作曲家にショスタコービッチがいます。
交響曲全集だけでなく、オペラもあるし、弦楽四重奏曲やピアノ曲などの室内楽曲も多くあります。

ショスタコービッチはロシアではなくソ連時代の作曲家で、どちらかといえば、肌触りの悪い、耳に優しくない曲を多く作っている（と思う）ので、現代音楽の走りみたいな感じで敬遠している人が多いかもしれません。

私は、高校生のころに、FM放送でショスタコービッチの作品を知りました。
最初に聴いた作品は、交響曲第一番だったと思います。
第一番は、比較的肌触りの悪さのないものでした。
19歳のときに作曲したそうで、やはり天才なんだと思います。

その後、交響曲第八番を録音して何度も聴いているうちにだんだんとはまっていきました。

その頃には知らなかったのですが、バレエ組曲という曲をずっと後になって知りました。
その中のワルツ・スケルツォという部分を聴いて考えてしまいました。

クラシックの作曲家では有名なのは、バロックから古典派〜ロマン派と言われる人の作品でしょう。
バッハ、ヴィアルディ、ヘンデル、モーツァルト、ベートーヴェン．．．
こういう有名大作曲家の作品も大好きです。
こうした作品は、なんというか、具体的なイメージを持って聴く曲が多いのではないかと思います。
それが、近代に向かっていくと、だんだんと、具体的なイメージでは聴きにくくなってきます。

ショスタコービッチは、まさに、具体的なイメージよりも、良くわからない、心の葛藤のような印象を持ちます。
作品に対して、聴く側のイメージで相対する、そんな感じがします。
きっと、演奏するだけでは足りなくて、聴く人がいて初めて真価が発揮されるように作曲してあるのでしょう。

上記のワルツ・スケルツォは、ショスタコービッチとしては例外的に肌触りの良い、耳に心地良い曲なのですが、それ以前の大作曲家の有名作品とは少し違います。
この曲を聴いて思い出すことがあります。
聴いていた頃の思い出ではありません。
この曲を知るずっと前の、具体的な経験ではなく、思い出すのは、気持ちという具体性のない記憶です。
こんな気持ちだったことがある、というような、内面の記憶が蘇るので、今聞くとじわっとした気になります。

具象だけでなく抽象が重要であるということが何となく感じられます。

アッカルドのパガニーニ全集

私は、中学生のころからパガニーニが好きです。
パガニーニは、小中学校の音楽室には肖像がありませんでしたが、ヴァイオリンの演奏技術を高めた作曲家ということで、演奏家や愛好家にはよく知られていました。
パガニーニについては、私が聴き始めた当時の音楽評論家の評判はすこぶる悪く、深みが足りないなんて書かれていました。
それでも、音楽家はパガニーニを敬愛する人が多く、演奏会でも度々取り上げられています。
私がパガニーニを知った頃には、協奏曲の楽譜が紛失されていたとかで、レコードは、協奏曲第１，２、4番しか見つからないとか、レコードの解説に書いてありました。
今と違ってインターネットで情報を得られなかったので、実際には見つかっていたのかもしれませんが、素人が知るまで情報が降りてくるのには時間がかかったのでしょう。
このCDは新譜から年月が経過して安くなった後に購入したものです。
録音されたのは1970年台なので、上記の私が知らなかったのは、情報をとる能力が低かっただけのことでした。
このレコードは6枚組で、協奏曲が1～6番の全曲以外のヴァイオリン曲が収録されています。
私は、パガニーニを聴くと心が安らぐので、時折思い出したように集中して聴きます。

録音は、というと、当時の普通の録音なのですが、決して不自然な録音ではありません。
ヴァイオリンは美しいし、オーケストラもきれいに録音されています。
特に、協奏曲の第三番は、40Hz以下の周波数まで録音されいるようです。
音場感は、並といったところで、音場型のPUP5D-CR ver.2で聴いてもメリットが特段大きいわけではありませんが、それでも音場型の効果はあります。
スーパーツィータの調整には適切な録音だと思います。
高域はしっかりと録音されているので、スーパーツィータの効果が結構あります。
この録音で聴くと、コンデンサは、0.33μFで適切でした。
0.33μFでは、近くに行かないとよく分かりませんが、2mくらい離れても音がすっきりと華やかになります。
アッカルドのヴァイオリンに酔いしれることができました。

世界の国歌

私が見ているわけではないのですが、女房が朝７時半からNHKの朝ドラを見ているのでドラマの中の音楽とかが聞こえてきます。
その中でよくかかる曲が、どうもある曲のパクリのように聞こえます。
そのある曲とは国歌なのですが、どこの国歌か思い出せません。
そこで、手持ちのCDを聴き直してみたら、パナマ国歌でした。
国歌そのものも完全オリジナルとは限らず、ドイツ国歌もハイドンの弦楽四重奏曲からパクっていたりするので、まあいいかとも思いますが、ちょっと変えて使うのなら、借用のコメントぐらい欲しいなと思うのでした。
岩城宏之指揮NHK交響楽団の古い録音です。
購入したのは２０年以上前だと思います。
ソ連が崩壊したので、売ってるうちに買っとこう、とそんなノリだったと思います。
ソ連の国歌はロシアがパクって使っていますが、今はなき東欧圏の国歌が収録された貴重なCDです。
日本隣国の国歌は収録されていません。ちょっとホッとしたりして。いまだったら絶対収録するだろうな～。

ところで、パナマ国歌は、Youtubeにあったので貼っておきました。

ハイレゾソースの議論

メディアの違いって？
という記事に、ハイレゾソースの議論について書きました。
その中で、自分も書いていて、書ききれていないと思ったところがあったので、書こうと思います。下の図は、昨日の記事にあった図と同じものです。

この図は、音楽が楽譜となってから、脳で感じるまでを影響の大きなステップごとに描いたものです。
例によって、入出力間がほぼ変化しないケーブル類は、省略してあります。
通常のCDフォーマットかハイレゾかという議論は、上の図の破線で囲った部分にある(F2)部分の違いを議論することになります。
そして、その他の部分は共通である、ということが前提となります。
実際の議論を見ていると、(D)や(F1)がごっちゃになって扱われている場合が少なくないと思います。
まず、有りがちなのは、特定のソースだけを聞いて、『CDとはこんなものだ』と自分の中で印象付けてしまうことです。
私は、CDを出た当初から見て（聞いて）きたので、最初は、CDもLPもいろいろなソースをバラバラに比較して、そのなかから自分の印象を作ってきました。
しかし、それが誤りであったのに気付いたのは、元が同じソースであっても、音の全く違うCDがあることを知ったからです。
同じソースでも、発売時期やプレスによって音がぜんぜん違う、ということは、LP時代には普通にありました。
外国の録音の場合には、概して、輸入盤のほうが音が良い場合が多かったので、LPは輸入盤、というのが定番になっていました。
CDが出現したころは、ソースにもデジタル録音のものが少なかったので、多くは、アナログ録音のもののCDへのコピーとなりました。
CDにコピーするにあたって、なるべくオリジナルに近いマスターテープ（アナログはコピーする度に劣化しました）を使ったり、CDの売りであるノイズの少なさを強調するために、ノイズ除去処理をしていました。
そんな理由で、上の図の(F1)の部分が違うものが出てきたので、そのことを知らないと、CDについて、偏見で印象が付いてしまいます。
ハイレゾについても、上の(F2)以外が全て同じであるという前提を守らなければ、全く違うものを評価してしまいます。
大山さんのメルマガで紹介されていた、伊勢崎手作りオーディオの会でのブラインドテストでは、ハイレゾからCDにダウンコンバートした音源を使用して比較したので、この条件は完璧に守られています。
ハイレゾのほうが圧倒的に良い、というような主張をする人は、こういう条件を守っていません。
フォーマット部分以外の条件が全て同じかどうかは確認するのが容易ではないので、ハイレゾをCDフォーマットにダウンコンバートしたソースをCDとして比較するのが正しい試験方法です。
そして、ハイレゾかCDかというブラインド試聴の結果、有為差は発見されなかったということでした。
私は、現状のCDというフォーマットは、必要十分な性能を要すると考えています。
こういうのは、いたずらに画素数を上げるコンデジと同じで、もっと重要な部分を無視して、解像度だけを上げているだけだと思います。
今後は、CDのクオリティを落とさずに圧縮する技術のほうが重要になってゆくのではないかと思います。
CDだって、小さいサイズなら、場所も食わずに便利ですし。

周回遅れでNHKのニューイヤーオペラコンサートを見ました

NHKには捏造プロパガンダ番組が多いので、番組は選んで見ています。
昨日は、正月に録画しておいたニューイヤーオペラコンサートというのを見ていました。
去年は、愛用していたソニーの録画機が故障してしまったので、新しいパナソニックの録画機に買い換えました。
ところが新しい機種には、アナログ音声出力が付いていないので、せっかくのオーディオ装置に繋げません。
ということで、ディスクに移してハードディスクから消去し、古い東芝のレコーダーで鑑賞したりしていますがやっぱり面倒です。
録画機用のDAコンバータを買うのも癪に障るので、さて、どうしようかと思案しています。
何しろ、本体が２〜３万円なのに、数千円のDAコンバータを買うのは馬鹿げていると思います。
アキュフェーズのプリアンプをデジタル入力付きに買い換えるのは更に狂っています。
アナログ音声出力ぐらい付けてくれよ、と思っても、時代遅れなのでしょう。

日本のオペラ界の著名歌手を集めたガラコンサートみたいなもので、いろいろな曲目をいろいろな歌手が歌っていきます。
最初は、イタリア語のオペラが中心でした。昨年の10月から、Babbelというサイトで、イタリア語を勉強しているので、少しわかるようになりました。
なるほど、こういうことを言っていたんだ、とか、ちょっと変だな、とかいろいろ思うところがありました。
上記のとおり、オーディオ装置につなぐことができずにテレビの音声で聞いていたので、音はあまりよく分かりません。
出演者は、殆ど知らない人でした。
最近はコンクールで、まだ、こういうところに出てこない人は知っているのですが、日本のオペラ界の人はあまり知りません。
生のコンクールの歌唱と、テレビのしょぼい音との比較は難しいのですが、正直いうと、コンクールで競っている人達のほうが凄い感じがしました。
実力通りに出演機会があるというわけではないので、既得権もあるのでしょうか？
よくわかりませんが、今回出演していた人の殆どよりも、コンクールで散っていった人々のほうが私に対しては感動を与えてくれたように思いました。

やっぱり、どの人も、平等に聞きたい人に聞いてもらう仕組みが必要なんだろうと思います。
そのためには、録音と配信が力を発揮するはずで、インターネットという配信手段で有名でない歌手や演奏家の演奏が聞けるようになれば、勢力図は随分と変わってゆくのだろうと思います。

清水勇磨さんリサイタルの後日談

このブログではオーディオのことを書いているはずなのですが、ジャンルには『科学』を選択し、実際には、コンクールとかコンサートのことを喜んで書いています。
どうしてかというと、コンクールやコンサートは、オーディオで聴くより素晴らしいからです。
オーディオは、演奏家の作品を調べるための図鑑のようなものなのかもしれません。

さて、前回書いたとおり、清水勇磨さんの初リサイタルは素晴らしいものでした。
リサイタルが終わると、ご本人が会場の外で、公演に来られた人々にご挨拶をしていました。
自分も握手してもらおうかと思ったのですが、関係者の方も多いようで時間がかかっていたので、しばらく考えた末に、今後のご活躍をお祈りしながら失礼しました。
妻は、しばらく感激に浸っており、帰る間にも、ロビーにあるポスターとチラシを見ていました。
自分も、ふと見ると、東京文化会館で開催される、『イル・トロヴァトーレ』の出演者の中に、『杉浦隆大』という名前を見つけました。
妻に、教えると、杉浦さんの名前は覚えていませんでした。
昨年の東京音楽コンクールに決勝まで進んだ人だと教えると、驚いていました。
杉浦さんは、昨年の二次予選では素晴らしい歌唱を披露してくれましたが、決勝では不完全燃焼と感じました。
その結果、杉浦さんは入賞できず、清水さんが優勝だった訳ですが、二次予選終了時には、杉浦さんが優勝してもおかしくなかったと思っていました。
そして、すぐに、杉浦さん出場の公演チケット（イル・トロヴァトーレ/二期会）を購入しました。
優勝の清水さんが実力者であることは、よく分かっていましたが、杉浦さんだって劣らぬ実力者です。

リサイタルの後の高揚した気分で、上野から日本橋三越に向かいました。
三越では、夕食を購入し、とってもお馴染みのベルアメールでケーキを購入しました。
そして、ついでに、隣の三井ビルの地下にあるハンバーガーショップTHE BEAT DINERでビールを飲みました。

ハンバーガーショップでビールというのは、あまり関係なさそうですが、
このお店の特徴のひとつは、とにかく安いことです。
大ジョッキが800円！本当に大きいです。
食事もリーズナブルで、そこらの居酒屋では、とても太刀打ちできません。
男二人でも合わせて4,000円あれば十分です。
それに禁煙だし。

と、そこで飲みながら、先ほど女房が集めたチラシの中にある公演の話をしていました。
その中に、
マリインスキー劇場の日本公演がありました。
指揮はお馴染みのゲルギエフでした。

曲目には、チャイコフスキーの『エフゲニー・オネーギン』があります。
さほど取り上げられない演目ですが、何年か前に、ロンドンのナショナルオペラで聞いて感激しました。
そこでは、英語での公演でしたが、分からないことに変わりはありませんでした。
私は、知ったかぶって英語のページも書いていますが、英語の歌を聞いて分かるかといえば、全く分かりません。
むしろ、殆ど分からないイタリア語のほうが、聞き取れる単語が多いくらいです。
今回の日本公演は当然ロシア語での演奏でしょうから、分からないことに変わりはないですが、
雰囲気はもっと出ているかもしれません。

と、議論しているうちに、チケットを購入しようということになりました。
文化会館のチケットオフィスに電話をすると、取り扱っているとのことだったので、
ビールを飲み終えて再び東京文化会館に向かいました。
幸いなことに二階席中央の最前列を購入することができました。
バブルの時代なら、こういう席はスポンサーのお得意様にしか回らなかったでしょうが、
バブルが弾けた後は、こんな席でも入手可能なようです（バブルとは古いが）。

と、後日談というより当日談のことだったのですが、
何故こんなにチケットを買ってしまったのか、
と考えるとそこには国立（くにたち）の縁があったようです。

先日の優勝者コンサートには、妻は行くことができませんでした。
その理由は、妻の母親の従姉妹の告別式に参加するためでした。
その人は、元国立音大の教授で、グランドピアノを3台も所有していたそうです。
そして、その告別式のために、妻が優勝者コンサートを聴くことができず、
代わりに、その日に私がもらったチラシに入っていた、清水勇磨さんのリサイタルに行きました。
清水勇磨さんは国立音大の出身です。
なんと主席だったそうです。
そして、リサイタルに来たら、自分はあまり見ようと思わないチラシに妻の目が止まりました。
と、上記のように二公演分もチケットを買ってしまいました。
義母の亡くなった従姉妹の縁でしょうか。

東京文化会館のよりみちコンサート

昨晩、東京文化会館小ホールで行われたよりみちコンサートに行ってきました。
当日券で1枚500円。1時間枠と小規模ですが、この価格はお買い得です。

今回のテーマは『ダンス』ということでしたが、ダンスっぽくない曲目も含めての演目でした。
演奏者は若手で、ヴァイオリンは寺下真理子さん、ピアノは居福建太郎さん、サックスは田村真寛さん、コントラバスは高杉健人さんでした。
ふつうのコンサートは、黙って始まって黙って終わりますが、小ホールのコンサートでは、演奏者本人の解説があって別の楽しさがあります。

オーディオマニア(?)の自分は、音楽を楽しむのと同時に音を楽しみます。
今回は全自由席でしたが、ステージに向かって左側の中央通路のすぐ後ろの席を確保できました。
ステージまでは10mくらいで演奏者の表情がよく見える席です。

この位離れるとヴァイオリンは、きつすぎず、調度良い音色に聞こえます。
ピアノは、すぐ近くで聞くのとは違って、まろやかになり、筐体のグワングワンとした感じもあまりなく、ちょうどいい感じです。
サックスは、以前、軽井沢朗読館で坂田明さんから至近距離で聞いたのとは違い、しっとりとメロディーを奏でました。至近距離で、のりのりの演奏会とは別の味わいがあります。サックスは、オーケストラで聞くと、他の楽器に負けてしまうように感じますが、小編成では、こうも味を出せるのかと思いました。
意外だったのは、コントラバスでもちろんPAはありませんが、しっかりと聞こえました。コントラバスは自分には、音の小さい印象があったのですが、ピッツィカートでも弓でもしっかりと聞こえてきました。

クラシックのコンサートではあまり演奏しない、ピアソラのリベルタンゴとか、モリコーネの『ニュー・シネマ・パラダイス』などもあり、緊張せずに演奏そのものを楽しむことができました。

PA音楽を除けば、このような空気をオーディオで再生するのは所詮無理なので、生を楽しめるのだったら、高級オーディオは不要とあらためて感じました。

追伸：
マイナーオーディオ講座も更新していますので、覗いてみてください。

明神能・幽玄の花

昨夜は神田明神で、『明神能・幽玄の花』を聴くことができました。
西洋のオペラは何度も聴いているのですが、日本の伝統芸能には殆ど縁がありませんでした。
会場は、神田明神境内に張ったテントの中で、ステージは、神田明神の前縁部分でした。

座席は、一番後ろの24列目です。当日券まで事前に売ってしまったので、当日新たに作った席だそうです。
鑑賞していて気付いたのは、ビニールのテントでも結構反射音が聞こえることです。
遠くのステージの音がビニールのテントに反射して後ろからも聞こえてきました。
ひょっとしたら、PAスピーカが付いているのか思い、探しましたが中にも外にも見付かりませんでした。
柔らかいシートでもこれだけ音を反射するというのは、意外な発見でした。
風音もピューピュー聞こえてきて臨場感たっぷりでした。
頭上をヘリコプターが飛んだり、遠くの飛行機の音が聞こえてきたりと理想的な環境ではありませんでしたが、こういうのもいいものです。
それにしても、日本語なのに台詞はさっぱり分かりません。
正直云ってプッチーニ作品の台詞のほうが聞き取りやすいです。
野外会場では仕方ありませんが、舞台には字幕はあるのでしょうか？